Como hemos examinado en el pasado, la asistencia a las salas de cine se redujo en 2016. A la gente simplemente no le gusta ir a ver películas en un teatro, salvo cualquier epopeya importante que exija la proyección en una pantalla grande, posiblemente en IMAX con 3 -D gafas para arrancar. El aumento de la demanda y los medios domésticos junto con la dudosa calidad de algunos de los lanzamientos recientes de Hollywood hacen que las personas se queden en casa para evitar pagar los precios cada vez mayores de una entrada de cine.
Aún así, incluso si el número de asistentes al cine ha disminuido, los amantes del cine continúan devorando el medio. Los altos precios de los boletos y la falta de relanzamientos evitan que los cinéfilos vean algunas de las grandes películas como lo pretendieron sus creadores, ¡en una pantalla grande! Del mismo modo que nada puede reemplazar realmente el cine en vivo, ninguna cantidad de televisores de alta definición y títulos de transmisión pueden reemplazar ver una película en un cine. Para el caso, ciertas películas solo pueden lograr su impacto total cuando se ven en una pantalla grande. Aquí hay 15 grandes películas que deben verse en la pantalla grande.
15 Star Wars
Star Wars es un tipo de película como ninguna otra, que juega con la inocencia de la infancia, los sueños del futuro, los arquetipos de Jung y el amor a la amistad. Rara vez, si alguna vez, tiene una película tan llena de alegría y diversión en cada fotograma. Esa alegría también aparece en los medios domésticos: ¿de qué otra manera explicar el fenómeno duradero de los Caballeros Jedi y los droides? Sin embargo, ninguna pantalla de inicio puede hacer justicia a la película que ayudó a inventar el éxito de taquilla, que agregó personajes como Darth Vader al espíritu de la época o palabras como sable de luz a la lengua vernácula. Star Wars pertenece a la gran pantalla.
Solo pruébalo: mira A New Hope, en un teatro lleno de fanáticos. A medida que el Halcón Milenario irrumpe en el hiperespacio, te encontrarás gritando como un loco. Incluso si has visto la película, y esa escena, cientos de veces antes, la verás por primera vez de una manera muy real, en la pantalla grande, donde pertenece.
14 2001: Una odisea del espacio
Stanley Kubrick inventó la moderna película de ciencia ficción con su producción de elefantina de 2001: Una odisea del espacio. Con efectos especiales innovadores (que le valieron a Kubrick su único Oscar) junto con la composición meticulosa y estéril del director, el 2001 elevó el listón de la ciencia ficción reflexiva y la noción de la épica espacial.
Kubrick filmó la película en el formato de Cinerama, que implicó proyectar la película en tres proyectores para formar una imagen de gran tamaño. También filmó en una película de 70 mm, creando imágenes de increíble detalle y alcance. Mucho antes de que IMAX se convirtiera en forraje para los éxitos de taquilla de Hollywood, las pantallas IMAX mostraban 2001, como una de las pocas películas que Tinseltown había producido que podría estar a la altura del formato.
Las audiencias que consideran el 2001 como un asunto aburrido, rígido y aburrido no lo han visto en la pantalla grande. En un teatro, la película burbujea con vida y profundidad. El público puede leer de repente lecturas técnicas que parecen casi invisibles en la pantalla de un televisor. Las composiciones de tomas de Kubrick adquieren un significado simbólico y misterioso, y las tomas del Discovery volando por el espacio aún le quitan el aliento al público.
13 Lawrence de Arabia
El director David Lean desarrolló una carrera en épicas de gran pantalla bien producidas y magníficas, que van desde películas de guerra como Bridge on the River Kwai hasta melodramas como el Dr. Zhivago. Sin lugar a dudas, en una carrera de películas monumentales, el mayor logro de Lean se produjo en 1962 cuando dirigió Lawrence de Arabia.
La producción tardó más de un año en filmarse y contó con una gran cantidad de actores atesorados, incluidos Alec Guinness, Omar Sharif, Claude Rains y, en su debut cinematográfico, Peter O'Toole. En el papel, Lawrence de Arabia se lee como el sueño febril de un loco: una epopeya de 3 horas sobre la unificación de varias tribus árabes por un inglés, sin historia de amor. De hecho, ni una sola mujer tiene un papel de habla en la película. Sin embargo, Lean crea este material inusual en uno de los actos de resolución cinematográfica más asombrosos de la historia. Filmada en 70 mm, Lean capturó algunas de las imágenes más asombrosas jamás filmadas: Lawrence paseando por el horizonte en un mar de dunas de arena. Los exploradores que miran por los acantilados rocosos del desierto encuentran un campamento beduino. Una incursión en camello y a caballo con cientos de extras.
David Lean hizo películas que aprovecharían al máximo los elementos técnicos y estéticos de un cine. Lawrence de Arabia ejemplifica ese principio: para comprender la gloria épica de la película, los espectadores solo deberían verla en un teatro. ¡Verlo en cualquier otro lugar debería constituir un delito!
12 Mad Max: Fury Road
La película más gloriosa de 2015, Mad Max: Fury Road encontró al director septuagenario George Miller en la cima de su poder. La cuarta película de la serie de culto Mad Max, la película no solo representa el pináculo de la franquicia, sino un nuevo récord para todas las películas de acción. Miller realiza, en esencia, una secuencia de acción de pared a pared que ejecuta todo el tiempo de ejecución de la película, mientras que de alguna manera logra dar profundidad a su historia y personajes.
Miller filmó Fury Road en fotografía digital de alta definición que le permitió agregar efectos 3D en la postproducción. Sin embargo, en cualquier formato, Fury Road encarna las razones por las cuales cualquiera se sentaría en una película en primer lugar, más específicamente en un teatro. Las increíbles vistas del desierto y las montañas —Miller, filmado en Namibia—, tormentas de arena y un diseño de producción sorprendente sumergen al espectador en un universo surrealista y a menudo hilarante. Miller también sabe cómo ofrecer momentos de notable sutileza. Observe la forma en que sostiene la cara cansada de Tom Hardy, o los penetrantes ojos azules de Charlize Theron. Este tipo de tomas de personajes se basan completamente en el carisma de los actores, y una audiencia solo podía apreciar el poder de ellos en una pantalla grande. En términos cinematográficos, Mad Max: Fury Road es un objeto casi sagrado. Por lo tanto, los espectadores deben tratarlo con santidad, viéndolo en la iglesia de un cine.
11 borrador
David Lynch llegó como cineasta dinámico y único con su pesadilla surrealista Eraserhead. Lynch contempla la mística del cine y Eraserhead interpreta cada elemento técnico y teatral que una sala de cine puede utilizar. Filmada en blanco y negro de alto contraste, la película aprovecha al máximo la luz, la sombra y el misterio de todo. Lynch pasó un año editando la película de 89 minutos para poner énfasis especial en el sonido también: Eraserhead presenta una de las bandas sonoras más estratificadas y únicas jamás producidas, utilizando el ruido blanco como un medio para poner al público subliminalmente nervioso.
Eraserhead ayudó a crear el ambiente de la película de medianoche, el tipo de película que se ve mejor en un escenario teatral bajo el misterio de la noche. La configuración nocturna agrega otra capa de atmósfera a la película. Cuando se ve de noche, y, seamos honestos, a menudo bajo la influencia, películas de medianoche como Eraserhead inundan los sentidos, cautivando a la audiencia en un nivel casi espiritual.
10 alienígenas
Ridley Scott elevó el listón de las películas de ciencia ficción y terror con la Alien de 1979, una película que presentó a la heroína de acción de todos los tiempos, Ellen Ripley. Interpretada por Sigourney Weaver (en su debut en el cine), Ripley se erige en medio de la muerte y la destrucción como un pilar de la resistencia humana. Solo por esa razón, la película siempre seguirá siendo un clásico seminal.
Sin embargo, más allá de la actuación de Weaver, Scott inyecta a Alien un poder elegante y visceral que solo se aprecia plenamente en la pantalla grande. La película imagina un elenco inusual de personajes: una especie de camioneros del espacio exterior, trabajadores toscos para contrastar con las interminables filas de científicos que generalmente pueblan las películas espaciales. Scott también recurrió a dos artistas visuales notables, Chris Foss y HR Giger, para diseñar la película, lo que resultó en una de las películas más estéticamente deslumbrantes de la historia.
El poder de Alien proviene en parte de la quietud de una sala de cine. Al igual que los otros títulos aquí, es una experiencia inmersiva. Mientras las imágenes de Ripley y la sensual bestia alienígena se alternan en la pantalla, la película lleva al espectador a un ejercicio de terror con pocos iguales. La película merece la oscuridad de un teatro, si no por otra razón, sino que en la Tierra, en un cine, todos pueden escuchar un grito.
9 Titanic
Tanto los críticos como los espectadores a menudo pasan por alto una de las grandes virtudes del Titanic de James Cameron. En medio de la reputación, el recorrido de la taquilla, el diálogo de madera, el surgimiento de Winslet y DiCaprio, el canto de Celine Dion y el precio masivo en la producción, con qué facilidad la gente a menudo olvida que Cameron ha creado un homenaje a las epopeyas de Hollywood de antaño. Titanic ocupa el mismo panteón de grandes producciones como The Sound of Music, The Ten Commandments o, bueno, A Night to Remember. Atesora la exuberante escala de la realización de películas y la oportunidad de proporcionar a la audiencia una opulencia impresionante.
El legado de Titanic como gigante de la taquilla solo muestra cuán bien Cameron domina al medio. De hecho, en esta era contemporánea, la única forma de apreciar realmente las virtudes de la película podría ser verla en un cine. ¿De qué otra forma puede un espectador apreciar el diseño de producción extravagante, la edición de sonido o los efectos visuales? Sin embargo, más que nada, la humanidad de Titanic lo convierte en un clásico perdurable. La película no contempla tanto el espectáculo, ni siquiera la predecible historia de amor como el costo humano del hundimiento del barco. La muerte de Jack viene a simbolizar la muerte de tantos otros despojados de sus vidas por la arrogancia y el elitismo. A medida que el ruido del barco que se hunde se desvanece, dando lugar a sollozos llorosos, solo un miembro de la audiencia en un teatro se dará cuenta: la mayoría de esos sollozos no provienen de la pantalla.
8 La Christopher Filmografía
Pocos directores han ampliado el uso de la fotografía IMAX como Christopher Nolan. Además de dominar el drama, el suspenso y la acción, Nolan, junto con el cineasta frecuente Wally Pfister, sabe cómo capturar una imagen, ya sea de un rascacielos imponente, un campo estelar intergaláctico o un paisaje onírico que desafía las leyes de la física. Nolan comprende el poder de una sola imagen y utiliza los formatos teatrales, y especialmente IMAX, para obtener el máximo impacto. Las aperturas de The Dark Knight y The Dark Knight Rises juegan como promesas. Como dos de las mejores secuencias de apertura, insinúan las gloriosas películas a seguir. Del mismo modo, la imagen de Joseph-Gordon Levitt corriendo por las paredes en Inception es el tipo de gema que solo las películas pueden ofrecer.
Incluso las películas más íntimas de Nolan saben cómo usar la experiencia cinematográfica para obtener el máximo efecto. Memento juega como un experimento de película reflexivo en la pantalla pequeña, pero en la pantalla grande se convierte en un suspenso tenso. Un campo de bombillas que ilumina un campo de Colorado en The Prestige captura imágenes únicas y surrealistas para que coincida con su historia de magos rivales. Quizás más que cualquier otro director actual, Nolan continúa innovando la experiencia teatral. Los multiplexes de películas pueden ser una especie en peligro de extinción en la era de la demanda y BluRay, pero eso no significa que los maestros del medio permitirán que la experiencia teatral muera fácilmente.
7 mandíbulas
Junto con Star Wars, Jaws creó el concepto de la moderna película de gran éxito, cambiando para siempre Hollywood. Un ejercicio de terror y suspenso, el director Steven Spielberg toma prestado de artistas como Alfred Hitchcock y David Lean para convertir una premisa schlocky en un thriller de terror inspirado.
Al igual que Lean, Spielberg comprende el poder de una imagen en expansión: un recordatorio subliminal para los espectadores de la insignificancia de una persona individual en el gran esquema del universo. Spielberg también obedece los principios de suspenso de Hitchcock: dejar que la audiencia vea la bomba (o en este caso, el tiburón) antes que los personajes. Estas maquinaciones de tensión juegan mejor en el ambiente controlado de un cine. Lo mismo ocurre con el horror en una película como Jaws: la experiencia comunitaria de ver una película nunca se hace más evidente que en momentos de terror absoluto. La tensión implacable de Jaws se ve disminuida cuando se ve en la pantalla de un televisor, cuando las interrupciones de comerciales, teléfonos celulares o simplemente el botón de pausa pueden desinflar el estado de ánimo. Sin embargo, en un cine, Jaws pone al espectador a través del timbre: es una película totalmente implacable.
6 ido con el viento
Los críticos a menudo citan Gone with the Wind como la gran epopeya cinematográfica. El productor David O. Selznick no escatimó en gastos para adaptar la popular novela de la Guerra Civil a la pantalla, empleando sets masivos y un elenco de miles para sumergir al espectador en una época pasada.
Es gracioso, ahí está esa palabra otra vez: inmersión. Selznick, junto con el director Victor Fleming, se propuso hacer la mejor película de todos los tiempos. En verdad, estuvieron muy cerca. Lo que el viento se llevó no es una película cualquiera
Es una de las películas, una audiencia que el público siempre verá y hará referencia y se enamorará. Clark Gable y Vivian Leigh dan dos de las grandes actuaciones de la pantalla. Desgarradora, romántica y con imágenes nunca menos que espectaculares, Gone with the Wind tiene algo que ofrecer a casi cualquier miembro de la audiencia, y al igual que Lawrence de Arabia, es una especie de reliquia sagrada del cine. Pertenece a un terreno sagrado: en casa en una sala de cine.
5 Avatar
En los últimos años, los críticos de cine, incluidos varios aquí en Screen Rant, han llegado a cuestionar el valor y el impacto del Avatar de James Cameron. La película causó revuelo en el lanzamiento, y finalmente se convirtió en la película más taquillera de la historia. Sin embargo, hoy, la cultura cinematográfica mira la película y se pregunta por qué tanto alboroto. Avatar tenía imágenes espectaculares, pero la historia no generó el tipo de fanáticos que incluso un éxito modesto como Deadpool se ha ganado. La película no tuvo ningún efecto duradero en la cultura pop, y de hecho, recibe más críticas por una historia cansada y personajes planos que el tipo de elogios que una película que obtuvo nueve nominaciones al Oscar.
El ascenso y la caída de Avatar se reduce a un hecho simple: la gente ya no ve la película en un teatro. En 2009, las personas acudieron en masa al multiplex para ver una película de increíble desarrollo visual aumentada por IMAX y la innovadora tecnología 3-D. En un cine, Avatar juega, de alguna manera, más como un paseo en un parque temático que como una película. La alegría de la película no proviene de la historia, sino de la experiencia de participar en un mundo extraño que parece derramarse de la pantalla. En ese sentido, Avatar no califica como una gran película, solo un buen momento en el cine.
4 gravedad
Al igual que Avatar, el director Alfonso Cuarón se propuso abrir nuevos caminos con su película Gravity. A diferencia de Avatar, que solo tiene impacto en un teatro, Gravity innova nuevas técnicas de narración junto con sus espectaculares imágenes. Cuaron disparó Gravity específicamente para el formato IMAX para simular mejor la magnitud del espacio exterior. Además, utilizó la tecnología digital para eliminar los cortes de un disparo a otro, dándole a la película una sensación más documental. En lugar de confiar en tomas baratas de "trucos", Cuarón utilizó aún más el proceso 3-D para crear una inmensa profundidad de campo en la cinematografía.
Gravity sigue la historia de una mujer atrapada sola en el espacio. Pero para una breve escena de un compañero astronauta y una secuencia de sueños, la película muestra a la mujer totalmente sola. Sandra Bullock asumió el liderazgo difícil, lo que requeriría que ella apareciera en casi todos los cuadros de la película. El suyo es el mejor espectáculo de un solo hombre en la historia cinematográfica: Bullock logra abarcar toda su gama, a menudo sin nadie (ni nada, gracias a los efectos especiales) a los que reaccionar. Su actuación tiene un mayor impacto cuando se ve en una pantalla IMAX gigante, que, junto con la cinematografía IMAX y el uso de 3-D, hacen de Gravity una visita obligada en un teatro.
3 El padrino
El padrino se ha convertido en un clásico seminal. Hoy, más de 40 años después del lanzamiento, la película continúa cautivando al público con su poder y emoción. Entonces, ¿por qué la película exige un cine para un impacto total? Simple: fue una de las últimas películas creadas sin pensar en los medios domésticos.
El Padrino y su primera secuela utilizaron un proceso conocido como IB Technicolor. La técnica permitió que la película absorbiera el color con gran detalle, produciendo una imagen rica y texturizada más a la par con una pintura de Rembrandt que otras películas de su época. IB Technicolor dejó de usarse después de completar The Godfather Part II, y ninguna película o técnica digital ha igualado sus suntuosos colores. Solo por esa razón, El Padrino merece ser visto en un teatro.
La película también resulta ser una gran película, llena de personajes en capas e intrigantes, trama de suspenso, gran acción y algunas de las mejores actuaciones jamás filmadas. Un consejo para ver a El Padrino en la pantalla grande: tomar comida. ¡La cantidad de escenas de personajes que comen deliciosa cocina italiana hará que cualquiera tenga hambre!
2 Apocalypse Now
Francis Ford Coppola apostó su fortuna personal y su cordura en la creación de Apocalypse Now, su épica sobre la Guerra de Vietnam. Los disparos duraron más de un año y se enfrentaron a los obstáculos de tifones, revoluciones políticas, guerras reales, actores drogados, el ataque cardíaco de Martin Sheen y el método cada vez más disruptivo de Marlon Brando, que actúa y aumenta el peso. Coppola mismo contempló el suicidio de forma rutinaria y, según sus amigos más cercanos, descartó parte de su cordura en la jungla durante los disparos.
A pesar de la producción infernal, Apocalypse Now se convirtió en un clásico seminal, un testimonio del poder y la locura del cine, y de los hombres y mujeres que lo crean. Coppola mezcló y editó la película con la intención de construir un teatro que presentara efectos "interactivos" adicionales para corresponder a la película, más bien como una atracción de parque temático de Disney. Nunca la construyó, pero la sola idea de que diseñó la película como tal exige que el público la vea en el cine. Cargado de imágenes inquietantes, actuaciones brillantes y preguntas filosóficas, Apocalypse Now merece el estado de visualización requerido en las clases de historia de Estados Unidos. ¡Dicha condición también debería exigir que el público lo vea en un teatro!
